豪放中有隽永，厚实中见情趣。他的画作，无论是烟岚深处的山林人家、漠北的羊群、灵山上的白马，还是村边的小河、如镜的水田，无不深含着大自然宁静和谐的美。
　　清人布颜图说：“山水不出笔墨情景，情景者境界，境能夺人而笔能夺境。画无境界，不可以畅观者之怀，笔墨庸弱，则不足供高雅之鉴赏，必笔境兼夺为上。”刘永明教授的画堪称笔境兼夺。

　　他喜欢印象派绚烂的色彩，塞尚厚重的结构，凡高如火的激情，尤特利罗淡雅的哀愁。然而，面对西方艺术从古典向现代的嬗变，刘永明认为，西方现代艺术中的故弄玄虚与荒唐胡闹固然不可取，但其视觉经验的新颖性、艺术感觉的敏锐性、表现手法的多样性、抽象形式的共通性，却是它精髓。而这，正是中国画家要取的“真经”。
　　刘永明的艺术见地是如此尖锐犀利。他让人感觉到，绘画不单纯是笔头的技巧，纸上的工夫，一个卓越的艺术家该有的绝不仅仅是笔墨，更多的应该是思想。
“笔墨情趣”本末倒置
　　商报：您曾参加以创新为主题的“冲击波”画展，那么您怎样理解当代中国绘画艺术的创新？
　　刘永明：创新必然依托于传统，没有对传统的考量则创新无从谈起。但是纵观中国绘画的发展，近100年的确出现了不少画家，但杰出的除了吴冠中外就不多了。为什么？吴冠中的画不是人人都喜欢，也不是说他所有的作品都完美，这是客观事实。但他的追求、他的创作使中国绘画发生了根本性的变化。因为他的道路屏弃了文人画笔墨的程式，在无所顾及、无所约束的心态下画出了具有中国艺术“精神”，而非中国艺术“形式”的作品。走出了一条不受传统程式拘束的、融汇中西的道路。他并没有抛弃传统的笔墨，只是在传统笔墨形式如皴法之外做了新的拓展，创造出了新的水墨画节奏，因此也就拓展了现代观众的审美趣味……这样，他给后来者展示了一个新的可能性——不刻意摹古，不刻意追随历史上的大师，也有可能创作出有十足中国风味的绘画。而我们从来认为离开古代大师的具体形式，就会失去绘画的民族特色。
　　商报：可是提起中国画就必然要讲笔墨，没有笔墨还有中国画吗？
　　刘永明：这是人们习以为常的观点，可实际上却是很不正确的。学画的人自然出自爱好和喜欢才会去学，在学习的过程中老师讲授一些表现办法和技巧，但这些用来表现现实生活是远远不够的，技巧需要在现实中不断丰富，过分强调所谓的传统笔墨，强调老祖宗留下的那点办法只会更多地受到它的局限。
　　我们常讲画家要深入生活，要体验。可是如果在深入生活的时候，并没有去客观对待，这是很危险的。比如一画柏树的时候就想：“这个好，可以表现我苍劲的用笔，能显示我的用笔很有力量。”于是“派”出来了，而那棵柏树在那立着，具体它的形态什么样子——这最重要的方面，画家却不管。画家讲的是趣味最重要，这就从根本上颠倒了笔墨和境象。也正因为如此，长期以来我们的画家基本上就是浮在那里的，深入不进去，好象也是读了万卷书，行了万里路，可是走多少路都没有用，因为没有走进去。
　　美国画家怀思，一生就在两个小牧场之间生活，哪儿都没有去过。但我们看到他的画，真的很感动人，哪怕是一个铁钩子，一个水桶，一双胶鞋，一片溢出水池的水，都有让人仿佛身临其境的美感。可回过头开看我们的，一画几十米、几百米，画的是什么，不知道，一点都不具体，这样中国画就病入膏肓了。
　　商报：您是说执著于笔墨情趣，会影响画家的判断力，进而埋葬画家的艺术个性？
　　刘永明：过分强调笔墨会不可避免地出现程式化，这就使得画家忽视了对物象的理解。逆锋、侧锋、枯笔、湿笔表现不同的情绪，我们的前辈体会到了用笔的表现变化，这一步真的很可贵。但后来人把这个变成了程式——要苍劲一定是枯笔，要圆润湿笔就上来了。因为想用现有的技巧完全表达丰富的生活是不可能的，后人该不断丰富表现技巧。看到大斧劈山的时候有办法，没有大斧劈山了，他马上觉得这地方不好，没什么可画的。真的是没什么可画吗？不！是他画不出来，黔驴计穷了。
　　吴冠中为什么能给人耳目一新的感觉？因为他是通过绘画的手段来表达自己的真实感受，而不是对笔墨功夫的感受。所谓艺术家的个性，艺术家的风格也就在于此。如果都被程式的笔墨功夫埋没，艺术家本身还有什么价值？他的艺术还能有什么价值？打个比方，只斟酌笔墨去学齐白石，那么看你就不如看齐白石，那个才是原汁原味的。

用自己的眼睛去发现
　　商报：齐白石老先生曾说过“学我者生，似我者死”应该也就是这个道理。深入生活是老生常谈了，究竟该怎样深入？
　　刘永明：西方的风景画家，很少画名山大川。他们更多的是画身边的生活小景，有浓郁的生活气息，明显的时代特点，通过这些使人有身临其境的感觉。这样的画面是千变万化的，这样也就界定出了专业与非专业的区别。人家能从普通的小景里看出丰富的内涵，他就是大师。而我天天从这儿过，可我就是画不出来，那我就只能是“匠人”。
　　而我们呢，文人说黄山好，就跟着去画黄山，文人说华山好，就跑去画华山，文人没说房后的篱笆也不错，就看也不看一眼。从根本上说是不能自己带着眼睛去发现美。中国画的发展不是简单提一句深入生活就能解决问题的，观念不转变，一深入生活，他就奔黄果树瀑布了，跑到华山顶上了，西双版纳也去过N次，哪儿大奔哪儿去了。其实完全不必这样，我们讲的深入生活，要观察生活，从观察中挖掘有时代气息的、有特色的、有美感的。这个做起来很难，因为要发现的刚好是传统技巧里没有的，甚至别人也没有表现过的。但要做到好，就必须攻克这些难点。
　　著名的油画大师安格尔的人体画《泉》在卢浮宫展出，据说有个日本艺术家看到了那张画，当场把包放在地上，对着画深深地鞠了三个躬。那艺术感染力是发自内心的，不用你说它好，不用你宣传我已经知道它好了，艺术感染足以让人佩服得五体投地。
　　而我们的画展上，我就常会听到这样的评论，“你不懂，人家这是画，你不懂，看下一张”，“你这人就是外行”。我们的观众对画家真是很客气，他们从来不说是画家画得不好，而是反过来检讨自己欣赏水平不够——你不懂，我不懂，我们不懂，我们继续往前走，可是这样下去绘画还有“前面”可走吗？
　　法国油画展览从来不会有这样的议论，“真棒、特象”，这是第一句评价。这说明中国现在连画什么像什么都做不到。就因为我没学过画画，我就不懂了？绘画应该是最直观，最一目了然的，怎么会弄得莫名其妙了？莫名其妙本身就是因为作者水平有限，第一关没过，后面的根本免谈，写实技巧，基本功基本是没过关的，怎么可能想象能画得好。

美术教育令人忧心
　　商报：针对这样的现状，今天的美术教育又是怎样一种状态？
　　刘永明：美术教学惟一的宗旨不是教学生什么技巧能画什么东西，而是让他认识美的规律，然后让他愿意用一生的精力去追求表现这个东西，这比技巧重要得多。吴冠中先生曾说过：“我不能给你干粮，但我给你猎枪。”帮你认识了美的规律，技巧则是要你随着认识不断完善去提高，想办法去表现。但现在的美术学院基本不讲这个。让学生画模特，平分只看谁的比较像，结构比较合理，至于人物的内涵，表现的美感则不去管，乍看起来都是要画“好”，好象都是在往前走，但已经分出岔路了。从此南辕北辙，永远走不到一起。
　　另外，一个有创造性的画家不会把自己局限在一个圈子里，对他有益处的都会吸收，丰富自己，营养自己。应该沉得下心来。现在的拍卖、炒作，其实都是没有自信的表现，希望现在就看到一个高价位，可不想想，真的有底蕴你怕什么。画家该明了中国画的现状，一个有责任感的画家该对自己的行当，对自己的行当在社会中的作用，有清醒的认识。